Bill Cunningham

Bill Cunningham (1929 - 2016) fue un documentalista de moda durante más de medio siglo, y sus fotografías están inspiradas por una pasión de toda la vida por el estilo. Parte del tejido de la siempre cambiante metrópolis de la ciudad de Nueva York, Cunningham se hizo famoso por su capacidad para detectar y fotografiar las tendencias de moda en sus inicios. Singular en la historia de la fotografía de moda, Cunningham reinventó el género y adoptó imágenes sencillas tomadas en las calles de la ciudad, en lugar del uso de modelos posadas, dentro del entorno del estudio. Debido a su enfoque meticuloso para la creación de imágenes y su devoción por su oficio, Bill Cunningham creó un extraordinario conjunto de trabajos que no solo capturaron la historia de la moda, sino también el espíritu de su época.

Bill Cunningham nació en 1929 y se crió en Massachusetts. Cunningham asistió brevemente a la Universidad de Harvard antes de mudarse a la ciudad de Nueva York para seguir una carrera como diseñador de sombreros. Después de diseñar sombreros durante varios años y trabajar con minoristas de artículos a medida como Chez Ninon, Cunningham observó que las tendencias de moda femenina se alejaban de los sombreros. Con esta observación, realizó la transición profética al periodismo. Trabajando como columnista para el Women's Wear Daily y como reportero con sede en Nueva York para el Chicago Tribune a mediados de la década de 1960, Cunningham comenzó lo que se convertiría en una carrera de por vida en el periodismo de moda. Durante su carrera trabajando para el New York Times, Cunningham mantuvo su libertad como freelance. Colaboraba con frecuencia en revistas de moda reconocidas como Vogue y Town & Country, y ayudó a lanzar Details en 1982. Cunningham trabajaría con el Times hasta su muerte en 2016.

Se ha escrito mucho sobre la vida y la obra de Bill Cunningham en varias publicaciones. También ha sido el tema de un documental premiado, Bill Cunningham New York (2010) y, más recientemente, The Times of Bill Cunningham (2018). Al momento de su muerte, Cunningham dejó el manuscrito de una autobiografía, que tituló Fashion Climbing

Antes de su fallecimiento, Cunningham compiló un manuscrito de su autobiografía, titulado Fashion Climbing, que luego se publicó póstumamente en 2018. La fundación Bill Cunningham se creó para promover y apoyar las fotografías de Cunningham y su legado.

Jacques Léonard

Jacques Léonard, (París, 1909 – l’Escala, 1994) tenía 43 años cuando se instaló de manera definitiva en Barcelona para dedicarse profesionalmente a la fotografía. Cerraba una época marcada por un estilo de vida que, a consecuencia de las diversas actividades desarrolladas, le había llevado a viajar por todo el mundo.

Hijo de un tratante de caballos de origen gitano y de la dueña de una casa de costura en París, pronto se inició en el mundo del cine. En 1931 empezó a trabajar haciendo encargos para unos estudios de París, después pasó a dedicarse a tareas de montaje y, más tarde, de producción. Colaboró con varios directores, entre los que cabe destacar a Abel Gance.

En 1940 viajó a España ya que buscaba localizaciones para una película sobre Cristóbal Colón que no llegó a rodarse debido a la situación de guerra en Europa. Conoció al entonces director general de cinematografía, que le ofreció la oportunidad de trabajar en varios encargos y se quedó en Madrid.   .

En 1949 se trasladó a Barcelona con el empresario teatral Arthur Kaps y se convirtió en su mano derecha. Más tarde, alejado de los rodajes, trabajó como restaurador de muebles.
Conoció al humorista Robert Lamouret y le acompañó en calidad de secretario en una gira mundial. Con él viajó a Inglaterra, Australia, Grecia e Italia. Al finalizar la gira, rechazó la propuesta de viajar a Estados Unidos, y en 1952 se instaló en Barcelona donde se enamoró de Rosario Amaya, una gitana que trabajaba como modelo de artistas. Se casó e inició su actividad como fotógrafo free lance.

Francesc Català-Roca le proporcionó contactos y, a partir de ahí, colaboró en diferentes medios: La Vanguardia; La Gaceta Ilustrada; Pomezia, una publicación del Obispado de Barcelona, y Sant Jordi, la revista de la Diputación de Barcelona. Montó su propio laboratorio dedicado a la fotografía publicitaria.

En 1975, tras el desmantelamiento de los barrios gitanos de Barcelona, se trasladó al de la Mina y por problemas de salud dejó la fotografía y se dedicó a trabajar en el proyecto de un libro sobre la cultura gitana, Les quatre fers en l’air, que no consiguió publicar a pesar del interés inicial demostrado por la editorial Plon de París, especializada en etnología.

1991, Con la salud muy mermada, se estableció en L’Escala donde murió en 1994.

Steve Schapiros

Steve Schapiro descubrió la fotografía a los nueve años en un campamento de verano. Emocionado por el potencial de la cámara, Schapiro pasó las siguientes décadas rondando las calles de su ciudad natal, Nueva York, tratando de emular el trabajo del fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, a quien admiraba profundamente. Su primera educación formal en fotografía llegó cuando estudió con el fotoperiodista W. Eugene Smith. La influencia de Smith en Schapiro fue de gran alcance. Le enseñó las habilidades técnicas que necesitaba para triunfar como fotógrafo, pero también influyó en su perspectiva personal y su visión del mundo. El interés de toda la vida de Schapiro por el documental social y su retrato empático y constante de sus sujetos es el resultado de los días que pasó con Smith y del desarrollo de un enfoque humanista y preocupado por la fotografía.

A partir de 1961, Schapiro trabajó como fotoperiodista independiente. Sus fotografías aparecieron a nivel internacional en las páginas y portadas de revistas, entre ellas Life ,  Look ,  Time ,  Newsweek ,  Rolling Stone ,  Vanity Fair ,  Sports Illustrated ,  People y  Paris Match . Durante la década de 1960 en Estados Unidos, llamada la "edad de oro del fotoperiodismo", Schapiro produjo ensayos fotográficos sobre temas tan variados como la adicción a los narcóticos, la Pascua en Harlem, el Teatro Apollo, los músicos de jazz, Haight-Ashbury, la protesta política, la campaña presidencial de Robert Kennedy, los caniches y los presidentes. Una historia particularmente conmovedora sobre las vidas de los trabajadores migrantes en Arkansas, producida en 1961 para Jubilee y recogida por The New York Times Magazine , informó a los lectores sobre las difíciles condiciones de vida de los trabajadores migrantes y provocó un cambio tangible: la instalación de electricidad en sus campamentos.

Schapiro, activista y documentalista, cubrió muchas historias relacionadas con el Movimiento por los Derechos Civiles, entre ellas la Marcha a Washington por el Empleo y la Libertad, la campaña para el registro de votantes y la marcha de Selma a Montgomery. Convocado por Life  to Memphis después del asesinato de Martin Luther King Jr., Schapiro produjo algunas de las imágenes más emblemáticas de ese trágico acontecimiento.

En la década de 1970, cuando las revistas de fotografía como Look  cerraron, Schapiro centró su atención en el cine. Con importantes compañías cinematográficas como clientes, Schapiro produjo materiales publicitarios, fotografías publicitarias y carteles para películas tan notables como El Padrino ,  Taxi Driver ,  Cowboy de medianoche y  Chinatown . También colaboró ​​en proyectos con músicos, como Barbra Streisand y David Bowie, para portadas de discos y arte relacionado.

Las fotografías de Schapiro han sido ampliamente reproducidas en revistas y libros relacionados con los derechos civiles, el cine y la historia cultural estadounidense desde los años 1960 en adelante. Las monografías de la obra de Schapiro incluyen el galardonado American Edge (2000), un libro sobre el espíritu de la turbulenta década de los años 1960 en Estados Unidos; y Schapiro's Heroes (2007), que ofrece largos perfiles íntimos de diez figuras icónicas: Muhammad Ali, Andy Warhol, Martin Luther King Jr., Robert Kennedy, Ray Charles, Jacqueline Kennedy Onassis, James Baldwin, Samuel Beckett, Barbra Streisand y Truman Capote. Schapiro's Heroes fue el ganador de un premio Art Directors Club Cube. Taschen lanzó The Godfather Family Album : Photographs by Steve Schapiro en 2008, seguido de Taxi Driver (2010), ambos inicialmente en ediciones limitadas firmadas. A esto le siguieron Then And Now (2012),  Barbra (2014) con fotos de Streisand de Schapiro y Lawrence Schiller,  Bliss sobre la cambiante generación hippie (2015), BOWIE (2016), Misericordia (2016) sobre un centro para personas con problemas de desarrollo y, en 2017, un libro sobre Muhammad Ali y The Fire Next Time de Taschen, ganador del premio Lucie , con el texto de James Baldwin y las fotos de derechos civiles de Schapiro de 1963 a 1968.

Schapiro falleció el 15 de enero de 2022. En el momento de su muerte, Schapiro tenía preparados dos libros de fotografía que se publicaron en 2022: Andy Warhol and Friends 1965–1966 (Taschen) y Seventy Thirty (Damiani), que combina 70 de sus fotografías con 30 de su hijo Theophilus. También tenía libros sobre fotoperiodismo, la ciudad de Nueva York, Riverside Records y celebridades preparados para su futura publicación. Con la ayuda de David Fahey, Schapiro también había estado trabajando en un proyecto retrospectivo que combinaba todas sus imágenes icónicas.

La exposición Road to Freedom del High Museum of Art , que viajó por todo Estados Unidos, incluyó numerosas fotografías suyas del Movimiento por los Derechos Civiles y de Martin Luther King Jr. Recientemente, se han realizado exposiciones individuales en Los Ángeles, Londres, Santa Fe, Ámsterdam, París y Berlín. Steve ha realizado grandes exposiciones retrospectivas en museos de Estados Unidos, España, Rusia y Alemania.

Schapiro continuó trabajando en el ámbito documental hasta poco antes de su muerte. Su serie de fotografías más reciente trataba sobre la India, el activista social cristiano Shane Claiborne y Black Lives Matter.

En 2017, Schapiro ganó el premio Lucie por sus logros en fotoperiodismo. El trabajo de Schapiro está representado en muchas colecciones privadas y públicas, entre ellas el Museo Smithsonian, el High Museum of Art, el Museo Metropolitano de Nueva York y el Museo Getty.

William Klein

William Klein (1928-2022) nació en la ciudad de Nueva York. Después de graduarse antes de tiempo de la escuela secundaria, comenzó a estudiar sociología en el City College de Nueva York. En 1946 se unió al ejército de los EE. UU. y estuvo destinado en Alemania, donde ganó su primera cámara en una partida de póquer. Después de mudarse a París en 1948, continuó sus estudios en la Sorbona con la ayuda de la ley GI Bill. En ese momento, su enfoque era la pintura abstracta y la escultura. Después de estudiar con el artista francés Fernand Léger, las primeras pausas en la carrera de Klein llegaron con dos exposiciones en Milán, donde fue descubierto por el arquitecto Angelo Mangiarotti. Comenzaron a colaborar cuando Mangiarotti le pidió a Klein que recreara una de sus pinturas abstractas en los biombos giratorios de un apartamento milanés, su primer trabajo por encargo. Fue la experiencia de documentar estos paneles en movimiento lo que lo llevó a reconsiderar la fotografía.

En 1954, Alexander Liberman, entonces director artístico de la Vogue estadounidense, pidió reunirse con Klein después de ver sus esculturas cinéticas en la exposición colectiva de París, Le Salon des Réalitiés Nouvelles. Posteriormente, Vogue publicó sus fotografías de graneros holandeses, que recordaban a Mondrian, poco después de su encuentro. Así comenzó su incursión en la fotografía de moda, así como sus famosos ensayos fotográficos sobre varias ciudades. Al fotografiar para Vogue durante un breve regreso a Nueva York, Klein se soltó en la ciudad, llevando la fotografía de moda en una dirección completamente nueva. Capturó lo bello y lo grotesco, todo en tomas de gran angular y teleobjetivo. Al sacar a las modelos del estudio y llevarlas a las calles, sus técnicas revolucionarias fueron pioneras en una nueva visión.

Klein, reconocido ampliamente como un innovador significativo en la historia y el diseño del libro de fotografía, publicó su primer libro Life is Good and Good For You en Nueva York en 1956, que ganó el Prix Nadar al año siguiente. Al capturar la dureza de la vida cotidiana, las imágenes brutalmente honestas de Klein causaron una gran sensación. Se publicaron tres libros más, cada uno con fotografías de una ciudad diferente: Roma en 1958-59, seguida en 1964 por Moscú y Tokio (reeditado en edición limitada en 2014 por Akio Nagasawa Publishing).

En 1958, Klein comenzó a explorar la imagen en movimiento y creó su primera película pop, Broadway by Light, en 1958. Luego produjo largometrajes y documentales, entre ellos una sátira sobre el mundo de la moda, Qui-Êtes Vous Polly Maggoo? (1966); Far From Vietnam (1967); Muhammad Ali, The Greatest (1969); y The Little Richard Story (1980). Su última película hasta la fecha, Messiah (1999), revela a escala épica un resumen de los temas presentes a lo largo de su carrera artística.

Klein, que ha recibido numerosos premios, fue distinguido con el título de Comendador de las Artes y las Letras de Francia en 1989, la Medalla del Siglo de la Royal Photographic Society de Londres en 1999, el International Center of Photography Infinity Award for Lifetime Achievement en 2007 y el premio a la Contribución Destacada a la Fotografía en los Sony World Photography Awards de 2012. Las obras de William Klein se encuentran en las colecciones de muchas instituciones, entre ellas el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles y el Centro Pompidou de París.

William Klein (1928-2022) nació en la ciudad de Nueva York. Después de graduarse antes de tiempo de la escuela secundaria, comenzó a estudiar sociología en el City College de Nueva York. En 1946 se unió al ejército de los EE. UU. y estuvo destinado en Alemania, donde ganó su primera cámara en una partida de póquer. Después de mudarse a París en 1948, continuó sus estudios en la Sorbona con la ayuda de la ley GI Bill. En ese momento, su enfoque era la pintura abstracta y la escultura. Después de estudiar con el artista francés Fernand Léger, las primeras pausas en la carrera de Klein llegaron con dos exposiciones en Milán, donde fue descubierto por el arquitecto Angelo Mangiarotti. Comenzaron a colaborar cuando Mangiarotti le pidió a Klein que recreara una de sus pinturas abstractas en los biombos giratorios de un apartamento milanés, su primer trabajo por encargo. Fue la experiencia de documentar estos paneles en movimiento lo que lo llevó a reconsiderar la fotografía.

En 1954, Alexander Liberman, entonces director artístico de la Vogue estadounidense, pidió reunirse con Klein después de ver sus esculturas cinéticas en la exposición colectiva de París, Le Salon des Réalitiés Nouvelles. Posteriormente, Vogue publicó sus fotografías de graneros holandeses, que recordaban a Mondrian, poco después de su encuentro. Así comenzó su incursión en la fotografía de moda, así como sus famosos ensayos fotográficos sobre varias ciudades. Al fotografiar para Vogue durante un breve regreso a Nueva York, Klein se soltó en la ciudad, llevando la fotografía de moda en una dirección completamente nueva. Capturó lo bello y lo grotesco, todo en tomas de gran angular y teleobjetivo. Al sacar a las modelos del estudio y llevarlas a las calles, sus técnicas revolucionarias fueron pioneras en una nueva visión.

Klein, reconocido ampliamente como un innovador significativo en la historia y el diseño del libro de fotografía, publicó su primer libro Life is Good and Good For You en Nueva York en 1956, que ganó el Prix Nadar al año siguiente. Al capturar la dureza de la vida cotidiana, las imágenes brutalmente honestas de Klein causaron una gran sensación. Se publicaron tres libros más, cada uno con fotografías de una ciudad diferente: Roma en 1958-59, seguida en 1964 por Moscú y Tokio (reeditado en edición limitada en 2014 por Akio Nagasawa Publishing).

En 1958, Klein comenzó a explorar la imagen en movimiento y creó su primera película pop, Broadway by Light, en 1958. Luego produjo largometrajes y documentales, entre ellos una sátira sobre el mundo de la moda, Qui-Êtes Vous Polly Maggoo? (1966); Far From Vietnam (1967); Muhammad Ali, The Greatest (1969); y The Little Richard Story (1980). Su última película hasta la fecha, Messiah (1999), revela a escala épica un resumen de los temas presentes a lo largo de su carrera artística.

Klein, que recibió numerosos premios, fue distinguido con el título de Comendador de las Artes y las Letras de Francia en 1989, la Medalla del Siglo de la Royal Photographic Society de Londres en 1999, el International Center of Photography Infinity Award for Lifetime Achievement en 2007 y el premio a la Contribución Destacada a la Fotografía en los Sony World Photography Awards de 2012. Las obras de William Klein se encuentran en las colecciones de muchas instituciones, entre ellas el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles y el Centro Pompidou de París.

Bruce Davidson

En una carrera que abarca más de medio siglo, Bruce Davidson (nacido en 1933) es conocido por su dedicación a la documentación de la desigualdad social. Davidson asistió al Instituto Tecnológico de Rochester, así como a la Universidad de Yale, donde estudió con Josef Albers. Más tarde fue reclutado en el ejército y destinado cerca de París, donde conoció a Henri Cartier-Bresson, uno de los fundadores de la famosa agencia de fotografía cooperativa Magnum Photos. 

Después de su servicio militar, Davidson trabajó como fotógrafo independiente para la revista Life y, en 1958, se convirtió en miembro de pleno derecho de Magnum. De 1958 a 1961, creó obras fundamentales como The Circus y Brooklyn Gang . En 1962, recibió una beca Guggenheim y se sumergió en la documentación del Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos. En 1963, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó su obra temprana en una exposición individual, la primera de varias.

En 1967, Davidson recibió la primera beca de fotografía del National Endowment for the Arts. Durante dos años, enfocó su lente en la abandonada y pobre cuadra de East 100th Street en Manhattan. Las fotografías se exhibieron en el MoMA en 1970 y siguen siendo uno de sus trabajos más aclamados. En 1980, exploró la vitalidad y la angustia del metro de la ciudad de Nueva York. De 1991 a 1995 fotografió el paisaje y las capas de vida en Central Park. Más recientemente, continuó esta exploración de la naturaleza en París y Los Ángeles, examinando cuidadosamente la relación entre la naturaleza y la vida urbana.

Davidson recibió una beca individual del Open Society Institute en 1998 para regresar a East 100th Street y documentar la revitalización y renovación que se produjo en los treinta años transcurridos desde la última vez que la fotografió. Entre sus premios se incluyen el Lucie Award for Outstanding Achievement in Documentary Photography en 2004, una Gold Medal Lifetime Achievement Award del National Arts Club en 2007, el Outstanding Contribution to Photography Award de Sony en 2011, un doctorado honorario en bellas artes de la Corcoran School of Art and Design en 2011 y un Infinity Award Life Time Achievement del International Center of Photography en 2018. Los trabajos clásicos de sus cincuenta años de carrera se han publicado extensamente en monografías y están incluidos en importantes colecciones de bellas artes públicas y privadas de todo el mundo, incluido el Museum of Modern Art y el International Center of Photography de Nueva York, y el Smithsonian American Art Museum en Washington, DC. Actualmente vive en la ciudad de Nueva York y continúa haciendo fotografías.

René Burri

René Burri nació en 1933 en Zurich, Suiza, donde fotografió a Winston Churchill a la edad de 13 años. A partir de 1950 se formó como fotógrafo en la Kunstgewerbeschule Zürich (hoy ZhdK, la Universidad de las Artes de Zürich), y de 1953 a 1955 trabajó como realizador de documentales y empezó a utilizar una Leica mientras hacía el servicio militar.

En 1955, Burri se convirtió en miembro nominado de Magnum y recibió atención internacional por uno de sus primeros reportajes, sobre niños sordomudos, Toque de música para sordos publicado en la revista Life. En 1956 viajó por Europa y Medio Oriente y luego se dirigió a América Latina, donde realizó una serie sobre los gauchos que fue publicada por la revista Du. en 1959. También para este periódico suizo fotografió a artistas como Pablo Picasso, Alberto Giacometti, Jean Tinguely, Yves Klein y Le Corbusier. Se convirtió en miembro de pleno derecho de Magnum en 1959.

El libro Die Deutschen fue publicado por Fretz & Wasmuth en Zúrich en 1962, y un año después por Robert Delpire en París con el título Les Allemands. En 1963, mientras trabajaba en Cuba, fotografió a Ernesto 'Che' Guevara durante una entrevista con la periodista estadounidense Laura Berquist para la revista Look. Su retrato del revolucionario con su cigarro recorrió el mundo. En 1965, Burri participó en la creación de Magnum Films y pasó seis meses en China donde realizó la película Las dos caras de China, producida por la BBC.

Burri ha cubierto acontecimientos históricos como la visita de Leonid Ilyich Brezhnev a Cuba en 1974, el 50 aniversario de la Gran Marcha en China en 1985, y la caída del Muro de Berlín y los acontecimientos en la Plaza de Tiananmen, ambos en 1989.

Burri recibió premios y reconocimientos, entre ellos Les Arts et Lettres en 1991, el Premio Dr. Erich Salomon de la Asociación Alemana de Fotografía en 1998, el Swiss Press Photo Life Achievement Award en 2011 y el Salón Leica de Premio de la Fama en 2013. En 2004-2005 se celebró una retrospectiva de su obra en la Maison Européenne de la Photographie (MEP) de París y recorrió muchos museos europeos y sudamericanos. Su última exposición, titulada Mouvement, también se celebró en el MEP en 2014 y presentó varias fotografías en color y trípticos.

En 2013 creó la Fundación René Burri, que conserva las obras completas del fotógrafo, ubicada en Photo Elysee en Lausana. Collages y dibujos también forman parte de su obra. En 2020 el museo celebró la retrospectiva Explosiones de vista.

A lo largo de su carrera, Burri publicó alrededor de 40 libros y trabajó para revistas como Life, Stern, Geo, Paris Match, Du y Mira.

Burri falleció a la edad de 81 años el 20 de octubre de 2014 en Zurich.

Roman Vishniac

Nacido en 1897 Roman Vishniac (Wischniak) nace en una próspera familia judía rusa en Pavlovsk, cerca de San Petersburgo, y se cría en Moscú, en 1904, en su séptimo cumpleaños, Vishniac recibe su primera cámara y microscopio. Entre 1904 y 1914, Vishniac estudió biología y zoología, y experimentó con lentes de cámara y aumentos, documentando sus resultados en película. Los bolcheviques toman el poder en la Revolución Rusa. en 1917, Entre 1917 y 1919, la familia de Vishniac emigra de Rusia a Alemania. Permanece en Moscú para realizar estudios de posgrado en biología y zoología en el Instituto Shanyavsky y se convierte en un ávido fotógrafo aficionado. En 1920 Vishniac y Luta Bagg, una judía letona, se casan en una ciudad fronteriza en el camino de Moscú a Riga. Emigran a Weimar Berlín. Década de 1920, Vishniac es miembro activo de varios clubes de fotografía de Berlín. Construye un laboratorio de procesamiento de fotografías totalmente equipado en su apartamento de Berlín en el distrito de Wilmersdorf, un barrio densamente poblado por judíos rusos adinerados. Continúa dedicándose a la investigación científica y la microscopía mientras se convierte en un consumado fotógrafo callejero. En 1922, el primer hijo de Luta y Roman Vishniac, Wolf, nace en una clínica de Berlín. 1926 la segunda hija de Luta y Roman, Mara, nace en la misma clínica de Berlín que su hermano Wolf. 

En 1933 Adolf Hitler es nombrado Canciller de Alemania. Se abre  el campo de concentración de Dachau . 1934-38: Vishniac toma fotografías de organizaciones comunitarias y de ayuda judías alemanas que operan bajo el régimen nazi en Berlín. En Alemania se instituyen las Leyes de Nuremberg y se imponen restricciones antisemitas generalizadas a los judíos alemanes. Los negocios judíos son boicoteados en Alemania, lo que inspira acciones antisemitas similares en toda Polonia.

California. 1935-38, Vishniac recibe el encargo de la sede europea del Comité Judío de Distribución Conjunta (JDC) en París, la organización de ayuda judía más grande del mundo, para fotografiar comunidades judías empobrecidas en toda Europa del Este.

1935-44
Los fotógrafos estadounidenses Walker Evans, Dorothea Lange, Ben Shahn y otros son contratados por Roy Stryker, director de la División de Información de la Administración de Seguridad Agrícola, para documentar la difícil situación de los aparceros pobres en el sur de la era de la Depresión.

En 1938 Alemania anexa Austria.

El JDC encarga a Vishniac que fotografíe a miles de refugiados judíos expulsados ​​de Alemania en la ciudad fronteriza polaca de Zbaszyn. El JDC encarga a Vishniac fotografiar Werkdorp Wieringen, un campo de entrenamiento agrario en los Países Bajos donde jóvenes refugiados judíos alemanes aprenden habilidades agrícolas y vocacionales como preparación para la inmigración a Palestina y otros países.

En noviembre se producen ataques coordinados contra empresas, hogares y sinagogas judías en toda Alemania ( Kristallnacht ). Después de este incidente, aproximadamente 30.000 judíos son arrestados y enviados a campos de concentración.

Vishniac está en Berlín durante la Kristallnacht, pero un amigo de la policía le advierte que evite su apartamento y se esconda.

Las fotografías de Vishniac de las comunidades judías de Europa del Este se exhiben en las oficinas del JDC en Nueva York. Esta es la primera vez que su obra se exhibe en EE.UU. Vishniac filma imágenes en movimiento que representan la vida judía en la Rutenia de los Cárpatos para el JDC. Parte del material se envía al JDC de Nueva York; Otras imágenes, identificadas por Vishniac como "tomas descartadas", resurgen en París después de la guerra.

Alemania y la Unión Soviética firman el pacto mutuo de no agresión Molotov-Ribbentrop. Alemania invade Polonia el 1 de septiembre; dos días después, Gran Bretaña y Francia declaran la guerra a Alemania y comienza la Segunda Guerra Mundial. Se establece el primer gueto nazi en Polonia.

1939, Vishniac trabaja como fotógrafo independiente en Europa occidental, viaja brevemente a Londres y se establece en Francia, mientras que Luta permanece en Berlín y lucha por conseguir visas de inmigración y declaraciones juradas para su familia. Mara Vishniac es enviada a un lugar seguro en Suecia, donde más tarde se le une su hermano Wolf.

Vishniac viaja al sur de Francia, donde realiza una película promocional para el JDC que documenta una escuela de formación profesional ORT (Sociedad Judía para los Oficios y el Trabajo Agrícola) en Marsella. Esta es su última asignación en el JDC hasta su regreso a Europa en 1947.

En julio de 1940 se establece el régimen de Vichy en Francia.

En París, Vishniac confía sus negativos a su amigo Walter Bierer, quien promete transportarlos a Estados Unidos. 

Vishniac es arrestado y encarcelado durante un mes en el campo de internamiento Camp du Ruchard en Francia.

Vishniac se reúne con Luta, Wolf y Mara en Lisboa. Se embarcan hacia Nueva York en el SS Siboney . La familia llega a Nueva York la víspera de Año Nuevo.

1941. Alemania invade la Unión Soviética . Japón ataca a la flota naval de Estados Unidos en Pearl Harbor. Alemania declara la guerra a Estados Unidos. Alemania comienza las deportaciones masivas de judíos a Polonia.

Los padres de Vishniac comienzan a vivir escondidos en el sur de Francia. La madre de Vishniac, Manya Wischniak, muere el 30 de julio de 1941.

Vishniac abre un estudio de retratos en el apartamento de su familia en el Upper West Side y trabaja para establecerse como fotógrafo científico. Durante la siguiente década, asume varias comisiones para organizaciones comunitarias, de servicio social y de ayuda judía en los EE. UU.

1942, La Conferencia de Wannsee se lleva a cabo para implementar y coordinar la Solución Final, un plan para aniquilar al pueblo judío. Alemania implementa una política de destrucción total de los judíos europeos.

Walter Bierer trae los negativos de Vishniac desde Francia a través de Cuba a Estados Unidos, donde son confiscados por la Aduana. Después de una larga lucha, los negativos se entregan a Vishniac, quien inmediatamente comienza a exhibirlos y publicarlos.

Una selección de fotografías de Europa del este de Vishniac se exhibe en Life Everywhere , una muestra en la New School for Social Research que se exhibirá del 19 de octubre al 1 de noviembre. A través de esta exposición y otras similares, Vishniac buscó crear conciencia sobre la difícil situación de los judíos europeos como la guerra estalló.  En 1943, en la biblioteca del Teachers College de la Universidad de Columbia se lleva a cabo una exposición de fotografías de Vishniac, Children of Want and Fear: Europe Before the War . En enero de 1944, se lleva a cabo una importante exposición de fotografías de Vishniac, Imágenes de la vida judía en la Polonia de preguerra , en el Instituto YIVO de Investigación Judía de Nueva York.

En enero de 1945, YIVO organiza una segunda exposición vishniaca a gran escala, La vida judía en los Cárpatos .

Alemania se rinde el 7 de mayo de 1945. El campo de concentración de Auschwitz es liberado por las tropas soviéticas. Japón se rinde en septiembre y termina la Segunda Guerra Mundial.

1946, Vishniac se convierte en ciudadano estadounidense. Vishniac y Luta se divorcian.

1947, Vishniac regresa a Europa con una misión para el JDC, el United Jewish Appeal (UJA) y The Forward   para documentar los campos de personas judías desplazadas. Mientras está allí, fotografía su antigua ciudad natal demolida, Berlín.

La primera monografía de Vishniac, Judíos polacos: un registro pictórico , se publica en Nueva York.

Vishniac se reencuentra con Edith Ernst, con quien se casa en Berlín. Regresan juntos a Nueva York y se instalan en el Upper West Side.

En 1948 Se establece el Estado de Israel . 

1951, Se publica el artículo de la revista Life "Nuevas formas de ver los seres vivos" que describe el descubrimiento de la "colorización" de Vishniac. Incluye una selección de fotografías microscópicas de Vishniac. En 1955 Vishniac está incluido en la exposición y el catálogo fundamental de Edward Steichen, The Family of Man , en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, que se exhibirá del 24 de enero al 8 de mayo de 1955.

El perfil de Vishniac en dos números de Eugene Kinkead es publicado por el New Yorker en julio de 1955. 

1966, Vishniac comienza una amistad duradera con Cornell Capa, quien luego establece el Centro Internacional de Fotografía (ICP).

1968, Estreno en mayo de un especial de NBC sobre el trabajo de Vishniac, "The Big Little World of Roman Vishniac".

1969, Las fotografías de Vishniac se utilizan para ilustrar Un día de placer: Historias de un niño que crece en Varsovia , de Isaac Bashevis Singer, ganadora del Premio Nacional del Libro para Niños de 1970.

1971, Se publica el libro de Vishniac sobre fotomicroscopía en color, Building Blocks of Life: Proteins, Vitamins and Hormones. El Fondo Internacional para la Fotografía Preocupada de Cornell Capa presenta la exposición Concerns of Roman Vishniac en el Museo Judío de Nueva York.

Wolf Vishniac, hijo de Roman Vishniac y destacado microbiólogo y profesor, muere en una expedición de investigación a la Antártida, en 1973.

1974, ICP publica una monografía sobre Vishniac, publicada por Grossman Publishers en Nueva York. El texto es una reimpresión del perfil neoyorquino en dos partes de Eugene Kinkead de 1955.

1983, Una gran selección de fotografías de Vishniac que documentan la vida judía en Europa del este se publica con gran éxito internacional en A Vanished World , que gana el Premio Nacional del Libro Judío.

Un Vishniac romano del mundo desaparecido ; con avance de Elie Wiesel
Nueva York: Farrar, Straus y Giroux, 1983, 179 páginas

Una exposición con el mismo nombre, organizada por ICP, recorre los Estados Unidos e internacionalmente durante 1988.

1990, Vishniac muere a la edad de noventa y dos años.

1991, Mara Vishniac Kohn se convierte en albacea del patrimonio de Vishniac. La Galería Howard Greenberg comienza su representación de veinte años del trabajo fotográfico de Vishniac.

To Give Them Light: The Legacy of Roman Vishniac , editado por Marion Wiesel, es una publicación de Simon & Schuster en Nueva York, en 1993

1999, La hija de Vishniac, Mara Vishniac Kohn, coedita la publicación Roman Vishniac: Children of a Vanished World, que presenta fotografías de niños de Europa del este de la década de 1930 de Vishniac. Una exposición relacionada de fotografías de niños de Vishniac recorre los EE. UU.

2005, El Berlín de Roman Vishniac se inaugura en el Museo Judío de Berlín, coincidiendo con la publicación del catálogo de una exposición .

Paz Errázuriz

Nacida en Santiago, Chile, en 1944, Paz Errázuriz comenzó su carrera en la década de 1970, fotografiando comunidades marginales bajo la dictadura militar de Augusto Pinochet. A través de sus retratos en blanco y negro, denunció el régimen autoritario (toques de queda, persecuciones, detenciones) y devolvió la visibilidad a personas que la sociedad no se atrevía a mirar. Su trabajo ha sido expuesto en Chile e internacionalmente destacando su exposición Réplicas y Sombras en la sala de Fundación Telefónica en Santiago 2004, en la Bienal de Venecia 2015 y la retrospectiva Adentro-Afuera en la Fundación Mapfre de Madrid 2015-2016, exhibida también en Arlés, Francia, en el Museo Amparo de Puebla, México y en el Museo Nacional de Bellas Artes, Chile en 2018.

Cofundadora de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI) en 1981, y colaboradora de la revista Apsi y de diversas agencias de prensa, ha recibido las becas Guggenheim (1986), Fundación Andes (1990), Fulbright (1992) y Fondart (1994, 2009 y 2018), ha recibido numerosos premios por su trabajo, entre ellos el Premio Ansel Adams en 1995, PHotoEspaña en 2015 y el Prix de la Photo Madame Figaro - Arles, con el apoyo de Kering y sus programa Mujeres en Movimiento en 2017, el Premio a la Trayectoria Artística del Círculo de Críticos de Arte de Chile en 2005 y el premio Altazor en 2005. En 2014 recibió el galardón Orden al Mérito Pablo Neruda y el Premio PhotoEspaña en 2015.

En 2017 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Su obra expuesta tanto en Chile como a nivel internacional -en particular en la 56° Bienal de Venecia en 2015, en los Rencontres de la photographie en Arles en 2017 y en la Barbican Gallery, Londres en 2018- se puede encontrar en las colecciones de importantes instituciones internacionales, entre ellas la Tate Modern de Londres o el MoMA y el Guggenheim de Nueva York.

Paz Errázuriz actualmente vive y trabaja en Santiago, Chile. Está representada en Francia por la galerie mor charpentier.

Vivian Maier

Vivian Maier (1926 – 2009) fue una fotógrafa callejera estadounidense cuyo enorme y nunca visto trabajo salió a la luz cuando fue adquirido en una subasta en Chicago en 2007. Nacida en la ciudad de Nueva York, Maier pasó parte de su juventud en Francia y luego trabajó en Chicago como niñera y cuidadora durante la mayor parte de su vida. Sin embargo, en su tiempo libre, Maier se aventuró en el arte de la fotografía. Tomando fotografías de manera constante a lo largo de cinco décadas, finalmente dejaría tras de sí más de 100.000 negativos. Si bien sus fotografías han cautivado a espectadores de todo el mundo desde que salieron a la luz pública, todavía hay mucho que se desconoce sobre la enigmática mujer detrás del lente.

En algún momento de 1949, mientras todavía estaba en Francia, Maier comenzó a tomar sus primeras fotografías con una modesta Kodak Brownie, una cámara para aficionados con una sola velocidad de obturación, sin control de enfoque y sin dial de apertura. En 1951, regresó de Francia sola y compró una cámara Rolleiflex al año siguiente. En 1956, se mudó a los suburbios de North Shore de Chicago, donde una familia la contrató como niñera de sus tres hijos. Disfrutaba del lujo de un cuarto oscuro, así como de un baño privado, lo que le permitía procesar impresiones y revelar sus propios rollos de película en blanco y negro. Cuando los niños entraron en la edad adulta, Maier tuvo que buscar otro empleo, lo que la obligó a abandonar el revelado de su propia película. A partir de entonces, al mudarse de una familia a otra, sus rollos de trabajo sin revelar ni imprimir comenzaron a acumularse.

Fue en esa época cuando Maier decidió pasarse a la fotografía en color. Su temática pasó de la gente a los objetos encontrados, los periódicos y los grafitis. En los años 80, el estrés financiero y la falta de estabilidad volvieron a poner en pausa el revelado de Maier, y los rollos de color sin revelar empezaron a acumularse. En algún momento entre finales de los años 90 y los primeros años del nuevo milenio, Maier dejó la cámara y guardó sus pertenencias mientras intentaba mantenerse a flote. Pasó de la indigencia a un pequeño apartamento tipo estudio, en el que una familia para la que trabajaba le ayudó a pagar el alquiler. Con escasos medios, las fotografías almacenadas se convirtieron en recuerdos perdidos hasta 2007, cuando se vendieron por falta de pago del alquiler. En 2008, la salud de Maier empezó a deteriorarse tras caerse sobre un trozo de hielo, lo que la obligó a ingresar en una residencia de ancianos. Nunca se recuperó del todo y dejó atrás un inmenso archivo de trabajo cuando murió en 2009.

En 2007, varios compradores compraron el contenido del espacio de almacenamiento de Maier en una subasta, entre ellos John Maloof, que desde entonces se ha dedicado a establecer su legado. Aunque no pudo ponerse en contacto con Maier mientras ella vivía, Maloof compartió una selección de fotografías de Maier en línea en 2009 y despertó un interés "viral". Obligado a aprender más sobre la mujer detrás del lente, Maloof comenzó a investigar la vida y la obra de Maier, lo que culminó en el documental nominado al Oscar Finding Vivian Maier (2014). Desde el descubrimiento de su trabajo, las fotografías de Maier han sido objeto de varias publicaciones y se han exhibido en importantes instituciones de todo el mundo.

Karl Theodor Gremmler

Karl Theodor Gremmler llegó a la fotografía de forma autodidacta en 1932. De hecho, se había formado como vendedor de publicidad. Después de trabajar por cuenta propia como fotógrafo, publicó regularmente en revistas como Die Form, Gebrauchsgraphik, Nordsee Magazin y Atlantis. Gremmler se concentró principalmente en la fotografía industrial y publicitaria. En 1936 publicó su primer fotolibro, Tagewerk und Feierabend der schaffenden deutschen Frau. Al año siguiente, Gremmler realizó una exposición individual en el Oldenburgisches Landesmuseum y el Museum Folkwang de Essen. Luego fue nombrado miembro de la Gesellschaft Deutscher Lichtbildner (GDL). En 1939, la editorial de Hans A. Keune, especializada en la industria pesquera, publicó el libro ilustrado Männer am Netz. Este trabajo marcó el punto culminante de la carrera de Gremmler. En 1938 adquirió el estudio del fotógrafo comercial Hein Gorny, ubicado en la Kurfürstendamm de Berlín. Este estudio fue el hogar de Lotte Jacobi, quien se vio obligada a emigrar en 1935 debido a su origen judío. Cuando la emigración de Gorny no logró proteger a su esposa judía, Ruth Lessing, él y Gremmler formaron parte del estudio “Fotografie Gremmler-Gorny”. Taller de fotografía moderna”. En 1940, Gremmler fue llamado al servicio militar y entrenado como artillero de tanques. Al año siguiente, durante un transporte de tropas a Rusia, sufrió un accidente mortal cerca de Heydebreck, en la Alta Silesia (Kędzierzyn). Citado del Museo Städel

Mary Ellen Mark

Mary Ellen Mark (Filadelfia, 20 de marzo de 1940-Nueva York, 25 de mayo de 2015) fue una fotógrafa estadounidense conocida por sus trabajos de fotoperiodismo, fotografía documental, retrato y fotografía publicitaria. Fotografió a personas que se encontraban "fuera de la sociedad convencional, en sus márgenes, más interesantes y a menudo problemáticos", estudió pintura e historia del arte en la Universidad de Pensilvania, antes de completar una maestría en fotoperiodismo en la Escuela de Comunicación Annenberg . En 1963 empezó a centrarse en la fotografía narrativa socialmente crítica y se embarcó en proyectos por todo el mundo. Amplió los encargos a proyectos independientes durante muchos años y publicó las fotografías resultantes en revistas líderes como Life, People , Vogue , Rolling Stone , The New Yorker y Vanity Fair . Posteriormente, las fotografías se incluyeron en más de veinte monografías temáticas. Su obra recibió numerosos elogios, incluidos tres premios de periodismo Robert F. Kennedy, tres becas del National Endowment for the Arts, el premio Lifetime Achievement in Photography Award 2014 de George Eastman House y el premio Outstanding Contribution Photography de la World Photography Organisation.Mark impartió talleres y recibió muchas becas internacionales y premios prestigiosos por su trabajo.

Publicó 18 libros de fotografías y colaboró con diferentes diarios y revistas, entre ellas Life, Rolling Stone, The New Yorker, New York Times y Vanity Fair.3​ Mark fue transparente con los temas que trataba en sus fotografías y su intención de usar lo que veía en el mundo para aplicarlo a su arte, según ella misma declaraba: "Creo que es importante ser directa y honesta con las personas acerca de por qué las estás fotografiando y qué estas haciendo. Después de todo, estás apropiándote de una parte de su alma".​

En 1977 se unió a la Magnum Photos y la dejó en 198114​ para unirse a Archive Pictures y luego abrir su propia agencia en 1988.5​ Fue jurado en la convocatoria de fotografía para el acceso a The Center for Fine Art Photography e impartió talleres en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, en México y en el Center for Photography at Woodstock.

Fue coautora, productora asociada y fotógrafa de la película American Heart (1992), protagonizada por Jeff Bridges y Edward Furlong y dirigida por Martin Bell,sobre un exconvicto que lucha por encarrilar su vida.​

Mark firmando una monografía en 2011

Mark murió el 25 de mayo de 2015 en Manhattan, a los 75 años, de síndrome mielodisplásico, una enfermedad de la sangre causada por insuficiencia de la médula ósea

Alen MacWeeney

Alen MacWeeney nació en Dublín en 1939. Es un fotógrafo de renombre internacional, actualmente radicado en Nueva York. Comenzó a trabajar en fotografía en su adolescencia, ganando varios premios por sus primeros trabajos. A los 16 años consiguió su primer trabajo como fotógrafo de prensa en The Irish Times . Trabajó durante un año antes de partir para dedicarse a su propio trabajo. Varios años más tarde, MacWeeney envió una carta a Richard Avedon pidiéndole ser su asistente. Avedon contrató a MacWeeney y lo llevó a trabajar en sus estudios de Nueva York y París, lo que le dio a MacWeeney la oportunidad de viajar a la temprana edad de 21 años. 

MacWeeney pronto se impacientó con las limitaciones de la fotografía de estudio. Regresó a su casa en Dublín, cambió su cámara 120 por una nueva Leica de 35 mm y comenzó a probar sus habilidades en la fotografía callejera. Este período de la práctica de MacWeeney marcó el desarrollo de lo que se convirtió en su estilo característico. MacWeeney ha llevado este estilo de fotografía a lo largo de su carrera y hasta la actualidad, incluso utilizando 120 en la línea de su fotografía callejera, como se puede observar en sus trabajos de Yeats ('65) y Travelers ('65-'67). Las imágenes compuestas y crudas complementan a sus sujetos, lo que se hace evidente en obras que van desde sus fotografías de Pensilvania tomadas en el país Amish en 1962, hasta sus fotografías del metro de Nueva York de los años 80, donde su estilo está especialmente ejemplificado. 

Alen MacWeeney todavía está activo, vive en la ciudad de Nueva York y Sag Harbor y viaja a Irlanda con frecuencia. Su colección fue adquirida recientemente por la University College Cork en Irlanda, donde será archivada y mantenida. Sus obras figuran en las colecciones permanentes de muchos museos destacados como el MoMA , el Museo de Arte de Filadelfia , el Instituto de Arte de Chicago y más, así como en colecciones privadas de instituciones como la Universidad de Columbia, el Boston College y otros lugares. La colección de MacWeeney continúa creciendo a medida que continúa imprimiendo en el cuarto oscuro de su estudio personal y fotografiando en medios analógicos y digitales.

David Seymour, (Chim)

Mejor conocido como CHIM, David Seymour nació como David Szymin el 20 de noviembre de 1911 en Varsovia, Polonia, en la familia de un destacado editor de libros hebreos y yiddish. En sus primeros años, CHIM se preparó para trabajar con su padre. Cuando era joven en la Sorbona de París, planeaba estudiar química y física, que aplicaría al trabajo de imprenta con su padre. Su interés por la ciencia influyó en su uso posterior de muchos formatos de cámara, desarrollando técnicas y avances en la emergente fotografía en color.

Mientras estuvo en la Sorbona, también trabajó en la agencia fotográfica polaca Rap. En 1933 comenzó a utilizar el nombre de prensa CHIM, una abreviatura de la versión francesa de su apellido. En 1934 se convirtió en fotógrafo de plantilla de la revista Regards , una publicación de noticias de izquierda iniciada en 1932 y destacada por su fotoperiodismo. De 1935 a 1936, trabajando para Regards , cubrió el Frente Popular, una coalición de organizaciones de izquierda en Francia. En 1936 viajó a España para documentar su Guerra Civil, al igual que sus amigos Robert Capa y Taro. CHIM se centró en cubrir los aspectos sociales y culturales, mientras Capa y Taro se concentraron en los combates. Cuando terminó la guerra en 1939, CHIM viajó a México en camino a establecerse en Estados Unidos. Para la revista francesa Paris Match cubrió el viaje de 1.000 refugiados republicanos derrotados, que permanecerían en México. CHIM cofundó Leco Photographic Services en la ciudad de Nueva York, que se convertiría en su base de operaciones.

CHIM se unió al esfuerzo de guerra como voluntario para servir en el ejército de los EE. UU., donde trabajó como camarógrafo de películas y más tarde como intérprete de fotografías aéreas y de combate. En 1942, se naturalizó como ciudadano estadounidense y fue dado de baja como segundo teniente en 1945. Sus padres permanecieron en Polonia durante la Segunda Guerra Mundial y fueron asesinados por los nazis.

En Nueva York, en 1947, CHIM y los prestigiosos fotógrafos Capa, Henri Cartier-Bresson y George Rodger cofundaron Magnum Photos, una de las primeras cooperativas fotográficas internacionales en la que los fotógrafos, no los editores, tomaban las decisiones finales sobre el uso de las imágenes. CHIM se desempeñó como presidente de Magnum en 1954.

CHIM regresó a Europa en 1947 como reportero de la revista This Week . En 1948, trabajando para el Fondo Internacional de Emergencia de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF), CHIM documentó las dificultades de los niños refugiados en toda Europa occidental y partes de Europa del este. Al año siguiente, UNICEF publicó esas imágenes en el libro Los niños de Europa .

CHIM continuó su trabajo como fotoperiodista, produciendo imágenes de eventos noticiosos, así como de actores y otras celebridades de renombre internacional. El 10 de noviembre de 1956, mientras trabajaba para Newsweek para cubrir la crisis de Suez, CHIM fue a fotografiar un intercambio de prisioneros y fue trágicamente asesinado por un soldado egipcio cerca de Suez, Egipto. El mundo perdió a uno de sus fotoperiodistas más influyentes, quien no solo produjo algunas de las fotografías más humanas de su tiempo, sino que también avanzó en la tecnología y los medios para producir y distribuir fotografías.

Seydou Keïta

Las fotografías de Seydou Keïta retratan elocuentemente la sociedad de Bamako durante su era de transición de una colonia francesa cosmopolita a una capital independiente. Keïta, formado inicialmente como carpintero por su padre, comenzó su carrera como fotógrafo en 1935 gracias a un tío que le regaló su primera cámara, una Kodak Brownie Flash, que había adquirido durante un viaje a Senegal. Cuando era adolescente, Keïta dominó los desafíos técnicos del rodaje y la impresión; Más tarde compró una cámara de gran formato. El formato más grande no sólo ofrecía un grado excepcional de resolución, sino que también permitía a Keïta realizar impresiones por contacto de alta calidad sin la ayuda de una ampliadora. En 1948 abrió su propio estudio en Bamako y rápidamente construyó un negocio de éxito. Ya sea fotografiando personas solteras, familias o asociaciones profesionales,

Keïta equilibraba un estricto sentido de formalidad con un notable nivel de intimidad con sus súbditos. Como muchos fotógrafos profesionales, equipó su estudio con numerosos accesorios, desde telones de fondo y vestuario, hasta Vespas y coches de lujo. Renovaría estos accesorios cada pocos años, lo que luego le permitió establecer una cronología de su trabajo. Keïta comentó sobre su práctica en el estudio: “Es fácil tomar una fotografía, pero lo que realmente marcó la diferencia fue que siempre supe encontrar la posición correcta y nunca me equivoqué. Su cabeza ligeramente vuelta, una cara seria, la posición de las manos. . . Era capaz de hacer que alguien quedara realmente bien”.

Keïta hizo todo lo posible para resaltar la belleza de sus sujetos y los brillantes patrones de sus fondos resultaron ser un contraste particularmente efectivo. Trabajó de forma intuitiva, reinventando la fotografía de retrato a través de su búsqueda de una precisión extrema. En 1962, el recién instalado gobierno socialista nombró a Keïta su fotógrafa oficial; poco después cerró su estudio, aunque permaneció activo hasta su jubilación en 1977. Su archivo de más de 10.000 negativos fue saliendo a la luz gradualmente a principios de los años noventa; Desde entonces, Keïta ha alcanzado el reconocimiento internacional. Inventivo y muy moderno, su énfasis en los componentes esenciales de la fotografía de retrato (luz, sujeto, encuadre) sitúa firmemente a Keïta entre los maestros del género del siglo XX.

Bertrand Meunier

Desde finales de los años 1990, Bertrand Meunier ( Nevers, Francia en 1963), Autodidacta, compró su primera cámara en 1993 y realizó un “aprendizaje” durante varios años en el Sudeste Asiático y México.

Desde 1997, dibuja una imagen de la China contemporánea alejada de su imagen convencional, intentando mostrar la realidad detrás del milagro económico, la cara oculta del país, desarrolla series fotográficas que examinan, de forma frontal pero sensible, los territorios en los que se sumerge a largo plazo. Conocido por sus fotografías sobre los cambios sociales del mundo chino contemporáneo, luego se interesó por las megalópolis asiáticas (galardonada con el Leica
Oscar Barnack en 2001). Al mismo tiempo, llevó a cabo un largo trabajo sobre Pakistán y Afganistán en colaboración con la revista Newsweek. Más cerca de casa, narra la vida cotidiana en las prisiones francesas (Le Silence est un luxe) y la vida de su propia familia (L'homme éloigné y Refuge).

Miembro del colectivo Tendance Floue desde 2007, su enfoque documental se combina con acentos narrativos, servidos por la poesía de su uso exclusivo del blanco y negro. Asumiendo su cuota de subjetividad, su obra se construye en un permanente ir y venir entre el aquí y el otro lugar.

Las fotografías de Meunier están presentes en muchas colecciones públicas y privadas, incluida la Biblioteca Nacional de Francia, el CNAP, el Museo de Bellas Artes de Wuhan y la colección Neuflize OBC. La serie Erased ha recibido varios premios, incluido el Prix Nicéphore Niépce en 2007 y el Prix Leica Oskar-Barnack en 2001.

Francesca Woodman

Francesca Woodman nació en una familia de artistas en Denver, Colorado, en 1958. Comenzó a tomar fotografías a los trece años cuando su padre le regaló una cámara. La familia viajaba con frecuencia a Italia y sus padres compraron una casa de campo en las afueras de Florencia en 1968. Italia y su lengua, cultura e historia del arte fueron frecuentes fuentes de inspiración para Francesca Woodman. Después de asistir a algunos cursos de fotografía en la escuela secundaria, se mudó a Providence en 1975 para estudiar en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD). Aaron Siskind fue uno de sus maestros. Mientras estaba en la universidad, vivió en un apartamento en una zona industrial donde se crearon muchas de sus fotografías de esa época. Después de graduarse, se mudó a Nueva York, donde fotografió tanto en blanco y negro como en color. Francesca Woodman se quitó la vida el 19 de enero de 1981. Una primera exposición individual viajó a los Estados Unidos en 1986 y sus primeras exposiciones europeas se remontan a los años 1990. Sus fotografías se encuentran en la colección de importantes museos internacionales como la Tate Modern de Londres y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Francesca Woodman está representada por Marian Goodman Gallery (Nueva York, París, Londres).

Sally Mann

Para poder tomar fotografías, tengo que mirar, todo el tiempo, a las personas y los lugares que me importan. Y debo hacerlo con ardor y fría evaluación, con las pasiones de los ojos y del corazón, pero en ese corazón ardiente debe haber también una astilla de hielo. 
—Sally Mann

Sally Mann es conocida por sus fotografías de temas íntimos y familiares que resultan a la vez sublimes e inquietantes. Sus proyectos exploran las complejidades de las relaciones familiares, las realidades sociales y el paso del tiempo, capturando tensiones entre la naturaleza, la historia y la memoria.

Nacido en Lexington, Virginia, Mann comenzó a estudiar fotografía a finales de la década de 1960, asistiendo a los Talleres Yosemite de la Galería Ansel Adams en el Parque Nacional Yosemite, California, y a la Escuela Putney y al Bennington College, ambos en Vermont. Obtuvo una licenciatura en Hollins College, Roanoke, Virginia, en 1974, y una maestría en escritura creativa al año siguiente. En un momento en que muchos otros fotógrafos estaban creando impresiones en color a gran escala, Mann miró hacia el pasado de la fotografía, investigando el potencial visual y metafórico del empleo de tecnologías del siglo XIX. Durante mucho tiempo ha utilizado una cámara de fuelle de 8 x 10 y ha explorado los procesos de platino, bromoil y colodión de placa húmeda para realizar impresiones.

Mann tuvo su primera exposición individual en un museo en la Galería de Arte Corcoran, Washington, DC, en 1977, presentando The Lewis Law Portfolio  (1974–76) ,  una serie de fotografías en blanco y negro que comprenden algunas de sus primeras exploraciones en el belleza abstracta inherente a lo cotidiano. A principios de la década de 1980 publicó dos libros, Second Sight y At Twelve , este último un estudio de las jóvenes en la cúspide de la feminidad. Entre 1984 y 1994 trabajó en la serie Family Pictures , centrada en sus tres hijos, entonces todos menores de doce años. Estas obras  abordan momentos cotidianos (jugar, dormir y comer), así como temas más amplios como la muerte y las percepciones culturales de la sexualidad y la maternidad. De 1999 a 2012, Mann fotografió el estudio cálidamente iluminado de Cy Twombly en Lexington, registrando los momentos que pasó allí con él, así como las huellas de su vida artística.

Desde finales de la década de 1990 hasta la década de 2000, Mann perfeccionó su relación con el sur de Estados Unidos, tomando fotografías en Alabama, Mississippi y Luisiana para su  serie Deep South  (2005), así como los campos de batalla de la Guerra Civil para  Last Measure  (2000). Su interés de larga data por los temas de la muerte, el tiempo y la decadencia también son evidentes en  What Remains  (Bullfinch Press, 2003), un estudio de cinco partes sobre la mortalidad que va desde fotografías del cuerpo en descomposición de su amado galgo hasta fotografías del sitio donde un fugitivo armado se suicidó en su propiedad. En 2003, Mann comenzó a documentar los efectos de la distrofia muscular en su marido, Larry. Estos retratos sinceros y francos, que más tarde se convertirían en la  serie Proud Flesh  (2009), recuerdan la escultura clásica al tiempo que capturan a un sujeto masculino en momentos de vulnerabilidad íntima. 

El último proyecto a gran escala de Mann, A Thousand Crossings , explora más a fondo la compleja identidad cultural del sur de Estados Unidos, así como la relación de Mann con su lugar de origen, una región rica en tradiciones literarias y artísticas pero problemática por la historia. La exposición, en la que comenzó a trabajar en 2006, debutó en la Galería Nacional de Arte de Washington, DC en 2018 y desde entonces ha viajado extensamente por los Estados Unidos y el extranjero, en París.

Mann, becaria del Guggenheim y tres veces ganadora de la beca del Fondo Nacional de las Artes, fue nombrada “Mejor fotógrafa de Estados Unidos” por la revista Time en 2001. En 2021, recibió el Premio Pictet y fue incluida en el Salón de la Fama de la Fotografía Internacional. . Ha sido objeto de dos documentales: Blood Ties (1994), que fue nominado al Premio de la Academia, y What Remains (2006), que se estrenó en Sundance y fue nominado al Emmy al Mejor Documental en 2008. Hold Still de Mann: A Memoir with Photographs (Little, Brown, 2015) recibió elogios de la crítica universal; fue nombrado finalista de los Premios Nacionales del Libro de 2015 y en 2016 ganó la Medalla Andrew Carnegie a la Excelencia en No Ficción.

Else Madelon Hooykaas

Else Madelon Hooykaas (nacida en 1942), una fotógrafa, videoartista y cineasta aclamada internacionalmente , es una de las primeras generaciones de artistas que adoptaron el video como medio y es reconocida como una figura transformadora en el videoarte , que reformuló los límites del arte contemporáneo a través de su enfoque pionero. Hooykaas es ampliamente conocida por su colaboración con la artista escocesa Elsa Stansfield, como parte del dúo Hooykaas/Stansfield . Juntas, han producido una gran cantidad de entornos e instalaciones de video innovadores, exhibidos internacionalmente. Más allá de su trabajo colaborativo, Hooykaas se ha establecido como una artista solista visionaria , con un legado notable y en constante expansión en fotografía, cine, performance interactiva e instalaciones conceptuales.

Madelon Hooykaas, originaria de Róterdam, Países Bajos, comenzó sus estudios de fotografía con varios fotógrafos holandeses antes de mudarse a París en 1964. En 1966, recibió el Premio Europhot para trabajar en Inglaterra en su proyecto fotográfico Along the Pilgrim's Way to Canterbury , inspirado en Los cuentos de Canterbury . Después, Hooykaas trabajó en Bruselas y París, antes de establecerse como fotógrafa y cineasta independiente. En 1968, el Ministerio de las Artes de los Países Bajos le otorgó una beca de viaje como la primera fotógrafa holandesa en los Estados Unidos. Durante su estancia en Nueva York, trabajó junto a las leyendas de la fotografía Philip Halsman y Bert Stern , y también recibió lecciones de Garry Winogrand y Joel Meyerowitz . A su regreso a los Países Bajos, se unió a la asociación profesional de fotógrafos GKf y comenzó a escribir sobre los fotógrafos que admiraba para la influyente revista holandesa Foto , incluidos perfiles de figuras como Robert Doisneau y Jacques Henri Lartigue , así como varios fotógrafos japoneses. También ha viajado varias veces a Japón, donde entrevistó a fotógrafos al tiempo que profundizaba su interés por el budismo zen.

En su práctica, Madelon Hooykaas explora temas profundos de tiempo, espacio, memoria y abstracción , invitando al público a experiencias inmersivas y meditativas. Su práctica artística también está profundamente influenciada por su compromiso de toda la vida con el budismo zen , que abrazó después de un impactante encuentro con el filósofo Alan Watts en California. Esta influencia es evidente en sus instalaciones, donde integra a la perfección temas de naturaleza y espiritualidad .

Aunque el trabajo conceptual de Hooykaas en fotografía, performance y entornos de video se ha exhibido ampliamente, su trabajo fotográfico temprano permanece en gran parte inexplorado públicamente . Estas fotografías antiguas , impresas por la propia artista, ofrecen una oportunidad verdaderamente única de vislumbrar la génesis del viaje artístico de Madelon Hooykaas . Estas obras, que datan de 1959 , cuando tenía solo 17 años, son una  documentación notable de la vida cotidiana holandesa durante los años 60 y 70. Capturan escenas del puerto de Rotterdam, un lugar visitado con frecuencia por la artista en su infancia y una fuente de gran inspiración para su fotografía, así como imágenes que representan Rotterdam devastada por la guerra después de la Segunda Guerra Mundial, la vida urbana en Ámsterdam y momentos cotidianos en la playa de Scheveningen .

El trabajo de Hooykaas forma parte de numerosos museos y colecciones privadas de prestigio, entre ellos el  Stedelijk Museum de Ámsterdam , el Centro Médico de Ámsterdam, el Centraal Museum de Utrecht, el Museum Arnhem, el Museum Gouda, la Agencia de Patrimonio Cultural de los Países Bajos y el Bonnefanten Museum de Maastricht. A nivel internacional, su trabajo se ha exhibido y conservado en prestigiosas instituciones como  la Tate  Britain , la Photographers' Gallery , el Museum of Modern Art ( MoMA ), el  Centre Pompidou  de París, el Zentrum für Kunst und Medien (ZKM), el MuHKA Museum for Contemporary Art de Amberes, la Gallery of Modern Art de Glasgow ( GoMA ), así como en colecciones de Canadá, Suiza y Australia.

O. Winston Link

O. Winston Link, fotógrafo estadounidense pionero, es un fotógrafo comercial reconocido por sus imágenes de locomotoras de vapor. A diferencia de la fotografía callejera de la época de Link, que dependía de la luz natural disponible, Link empleó un método de disparo verdaderamente único. Su técnica empleaba una elaborada puesta en escena y flashes sincronizados a gran escala. Desarrolló nuevos equipos de iluminación, equipando 43 flashes para que se dispararan simultáneamente en su esfuerzo por capturar las locomotoras en acción por la noche. Además, Link utilizó una cámara de gran formato en lugar de la popular de 35 mm.

Link nació en 1914 en Brooklyn, Nueva York, y en su adolescencia desarrolló un interés temprano por la fotografía, las locomotoras y las vías férreas. Link se licenció en ingeniería civil en el Instituto Politécnico de Brooklyn en 1937 y, tras trabajar como fotógrafo en una empresa de relaciones públicas, comenzó su carrera fotográfica. Link trabajó durante más de 40 años como fotógrafo comercial, siendo su proyecto más famoso la serie del Ferrocarril Norfolk and Western, fruto de su deseo de documentar una parte de la historia de Estados Unidos que se desvanecía rápidamente. Link ansiaba fotografiar el fin de la máquina de vapor de forma que las imágenes fueran un homenaje perdurable a este período. Sus fotografías combinan nostalgia y virtuosismo técnico. Su trabajo fue apreciado por el grado de control, planificación y construcción de cada imagen.

Link ha publicado dos libros con su obra: Steam, Steel, and Stars (1987) y The Last Steam Railroad in America (1995). A partir de 1983, sus fotografías comenzaron a exhibirse en varios museos de Estados Unidos, Europa y Japón, y forman parte de numerosas colecciones de importantes museos de todo el mundo. Actualmente, el Museo O. Winston Link en Roanoke, Virginia, está dedicado a sus fotografías, archivos de audio y vídeos, que documentan los últimos días de las locomotoras de vapor del Ferrocarril Norfolk and Western. Murió el 30 de enero de 2001 en Katonah, Nueva York.